Итальянское рококо и его представители в истории живописи.

Во второй половине 17 века в итальянской живописи композиция становится воздушнее и легче, типы изящнее, а краски светлее и холоднее. Рококо бросает сюда уже свои тени.

Представитель этого направления – граф Карло Чиньяни(1682-1719).Первый начальник Клементинской академии в Болонье, фрески которого изображающие Успение Богородицы в соборе Форли, принадлежат уже новому направлению.

Карло Маратта (1625-1713),главный мастер новой римской школы, обладавший легкой рукой, исполнявший для римских церквей запрестольные образа,он был в то же время значительным портретистом.

Из учеников Чиньяни Марко Антонио Франческини (1648-1729) пошел еще дальше в смысле утонченности и чувствительности.

А Джузеппе Мария Креспи Ло Спаньоло (1665-1747), почти один в Болонье пролагал особые, родственные натуралистам пути. Прекрасно представляют его искусство «Семь таинств» в Дрезденес и смелым наблюдением природы, широкой манерой письма, с коричневыми тенями и резко врывающимся светом.

Представителем нового направления в Генуе является Доминико Пиола(1629-1703), в «Тайную вечерю» в Сан Стефано которого вносит новую жизнь спускающийся с неба в ярком луче хоровод ангельчиков. Во Флоренции представитель этого направления – Чиро Ферри (1634-1689), исполнивший изящные плафонные фрески в зале Аполлона палаццо Питти. В Милане действовал Филиппо Аббиати(1640-1715), декоративный мастер, владевший быстрой и широкой кистью, которую усовершенствовал его ученик Алессандро Маньяско, по прозванию Лиссандрино (около1681- 1746).Бойко набросанные, темно писанные и пронизанные светом ландшафты Лиссандрино смешивались раньше с ландшафтами Розы. Даже венецианское искуссвто было захвачено течением эпохи. Такие мастера как Пьетро Либери(1605-1687), Андреа Челести (1639-1706) и Антонио Белуччи (1654-1715)соединяли свойственную венецианской живописи свежесть форм и яркость красок, элегантность, изнеженность томность. В самом Неаполе оставался Франческо Солимена (1657-1747).Его чувствительная, полная игры света живопсиь представляет неаполитанскую школу на стадии решительного перехода к более легкому стилю 18 столетия.

21. Характеристика итальянской живописи 17 века. В 17 веке итальянская живопись должна была уступить главенство, которым пользовалась в 16 веке Испании и Нидерландам. Именно в Италии живопись 17 столетия едва ли сознавала свои истинные способности: точнее сказать, вовсе не осознавала в эклектически-академичсеком направлении школы Караччи в Болонье, взявшей на себя руководящую роль, и лишь отчасти осознала в том натуралистическом направлении, во главе которого стоял Караваджо. Замечательно, что величайший живописец в истинном смысле, действовавший в Италии, был испанец Рибера. И если Караччи, школа которых процветала уже в 1585 году, с возобновлением позднего стиля Рафаэля, Микеланджело, решительно стали на почву создающегося барокко в духе Бернини они оказывали скорее сдерживающее, чем поощряющее влияние. Тем не менее они отличались от своих предшественников маньеристов, двигавшихся без самостоятельной мысли, по проложенным колеям. В противовес этому направлению возниколо другое – реалистическое. Ни в одной европейской стране в 17 веке не украшались картинами такие громадные площади как в Италии. Фресковая живопись церквей и дворцов занимала по преимуществу верхние части стен(фризы), потолки и купола. Мощные одушевленные противореволюционым духом запрестольные образа наполняли исполинские алтари новых церквей. Вся эта живопись, рассчитанная на дальние расстояния, понятна сама по себе. Религиозные и светские картины меньшего размера легли на стенах жилых дворцов. Новые, навеянные природой и жизнью изображения пользовались успехом лишь в пределах реалистического направления. При этом ландшафт, имевший в Италии 16 века самостоятельное значение лишь как декоративная стенная живопись, завоевал теперь и живопись станковую. Специалисты художники, писавшие плоды и цветы, встречаются сначала как единичные явления. Портреты писали эклектики и натуралисты. Преобладание сохранилось за религиозной живописью. Мы проследим сначала направления академически-эклектические, затем натуралистические и новые направления второй половины 17 века, в которых наряду с поздним барокко появляется уже легкость и прелесть рококо. Лудовико Караччи(1555-1619). Основатель и руководитель эклектически-академической школы в Болонье, приходяился дядей двоюродным братьям Агостино (1558-1602) и Анибале (1560-1609) Караччи, распространившим его направление в Риме и по всей Италии. Из ранних работ их совместных работ в Болонье выдается фриз с историей Ромула и Рема (1589) в палаццо Маньяни. Агостино – самый разносторонний, самый ученый и самостоятельный из троих Караччи. Он прежде всего гравер. Наиболее известная гравюра –большое Распятие, выполненное в Тинотретто. Пять мастеров школы Караччи, при полном единстве художественных целей представляли собой совершенно разные личности. Из них 1. Гвидо Рени(1575-1642), Одно из самых жизненных его произведений «Избиение Вифлеемских младенцев» болонской пинакотеки светится золотистым тоном. 2. Франческо Альбани,(1578-1660) Пользуются известностью мифологические картины с танцами пути или амурчиком, например «Четыре стихии» в Турине в галерее Боргезе. 3. Доминико Цампьери(1581-1641) Умел сочетать свойственное ему чувство природы с чувством красоты.Самая известная картина «Охота Дианы» в галерее Боргезе проникнута свежим настроением ландшафта. 4. Франческо Барбьери,(1591-1666) прозванный Гверчино. В его ранних работах чувство природы Караваджо с его черными тенями. Великолепны его плафонные фрески в вилла Людовизи в Риме: в верхнем этаже примечательна, свежа по краскам и формам богиня славы, а в главном зале нижнего этажа смелая Аврора.ю с которой началось применение точки зрения снизу и в области плафонной живописи дворцов. 5. Джованни Ланфранко(1580-1647) . Пользовался глубоким уважением современников. Он писал свои купольные композиции с правильным расчетом на глаз зрителя внизу и применял резкие эффекты освещения в отличие от плафонной живописи Караччи и Рени. Второе поколение школы Караччи: Каньячи(1602-1681), Джованни Баттиста Сальви(1605-1685). Во главе натуралистического или реалистического движения в Италии была Личность Микеланджело Меризи да Караваджо. (см. вопрос 19) Рококо см. вопрос 20.

22. Творчество Микеланджело Буонаротти. М. Б. (1475-1564) является самой могучей личностью, которую когда-либо носила земля. Никто другой не оказывал такого влияния на современников и потомство, как он. Как архитектор Микеланджело стал родоначальником всех грандиозных своеобразных причуд стиля барокко. Как скульптор и живописец в эпоху Возрождения он был исключительным изобретателем человека как никто другой. Обычные люди, которых он изображал превращались в сверхлюдей и полубогов. Мощные формы тела и могучие движения присущи его творениям. Самые ранние его скульптуры показывают когти льва. Мраморный плоский рельеф «Мадонна на лестнице» в Доме Буонаротти напоминает еще позднюю манеру школы Донателло. Но мощные формы главной группы и детей резко удаляются от этой школы. В 1494 году Микеланджело жил в болонье и выполнил здесь ангела с канделябром на саркофаге св. Доминика в Сан Доминико, а также группу обнаженного всадника Прокула. Эта группа обнаруживает яснее свойственный молодому мастеру язык форм. Во Флоренции в 1501 году мастер получил заказ от города высечь статую молодого Давида из колоссального мраморного блока. Этот нагой колосс-юноша охранял вход в палаццо Веккио. От 1504 до 1873, а теперь стоит в заключении в родонте академии. Фигура смелого юноши выполнена с поразительным чувством природы, все части его, как руки, ноги выполнены крайне тщательно, а великолепная голова оживлена гневным выражением. Сдержанность движений лишь отчасти объясняется узостью блока гранита. После этих величаво строгих произведений прекрасная мраморная группа Мадонны со стоящим между коленями обнаженным мальчиком в церкви Богородицы в Брюгге и изящгый круглый рельеф с Мадонной и двумя мальчиками в национальном музее во Флоренции показывают спокойно уравновешенный и исполненный красоты стиль 16 века. Но затем на его долю выпала первая большая живописная задача. В 1504 году родной город передал ему исполнение батальной картины из флорентийской истории на стене зала городского совета. Микеланджело избрал нечаянное нападение на купающихся солдат в сражении при касчине. Он стремился передать в самых благородных образах человека, передать разнообразие, естественность и возбужденность движений. Люди одушевлены лишь чувством страха и желанием спастись. Работа была прервана из-за призыва его в Рим, но и в неоконченном виде он стал школой для всего света. Мастер находился в расцвете сил, когда Юлий 2 призвал его в Рим. Ему была поручена гробница Юлия 2, однако затем он отозвал его и приказал выполнить свою статую в бронзе. Через два года произведение было закончено. Однако статуя преждевременно погибла. В Риме папа поручил Микеланджело «Купающихся солдат», самый значительный памятник фресковой живописи, плафон Сикстинской капеллы в Ватикане, ставший главнейшим произведением Буонаротти. Микеланджело прежде всего расчленил плоский свод на отдельные поля. Из 9-ти полей плафона 5 меньших обставлены фигурами сидящих в разнообразных позах нагих юношей, которые навешивают бронзовые щиты, чтобы красить их дубовой зеленью. Четверо больших полей занимают всю ширину плафона. Изображения всех девяти полей взяты из сказания о сотворении мира и истории о Ное. На склонах сводов восседают мощные фигуры пророков и сивилл. Четыре больших угловых клина изображают Юдифь и олофернаЮ давида и Голиафа, медного Змия и казнь Амана. В стрелках свода и полукруглых полях гнал окнами изображены предки Христа в бытовых семейных группах. У каждой из 9-ти картин собственная перспектива. Начиная изображением жизни Ноя на входе и заканчивая днями творения на алтарной стороне, величина фигур все возрастает, композиция фигур становится все проще и яснее для обозрения. Со Львом 10 Микеланджело не повезло. Из фасада сан Лоренцо во Флоренции ничего не вышло. Только три оконченные и четыре неоконченные статуи говорят о воодушевлении творца. При Клементе 7 (1523-11534) Микеланджело создал «новую сокровищницу», то есть усыпальницу Медичи в Сан Лоренцо во Флоренции. Здесь стоят один против другого надгробные памятники Джулиано и Лоренцо Медичи, а у третей стены неоконченная, одаренная жизнью Богоматерь между святыми Косьмой и Домианом, выполненными его учениками. Капелла представляет четырехстороннее помещение с возвышающимся как бы висящим куполом. Расчленение стен на два яруса коринфскими пилястрами и нишами, увенчанными полукруглыми верхами, производит впечатление классического стиля. Время правления Павла 3 (1534- 1549) охватывает последнюю великую пору деятельности Микеланджело, теперь навсегда возвратившегося в Рим. До 1541 года он трудился над колоссальной картиной Страшного суда который украшал алтарную стену Сикстинской капеллы. Внизу налево мертвые встают из гробов, внизу направо классический перевозчик теенй Харон прогоняет бедные души из своего челнока на берег ада ударами весла. Вверху на облаках посередине находится Христос. Величие Его выражено мощью тела и тяжкой силой отвращающегося жеста. Густыми толпами окружают его мученики. Слева парят к небу искупленные, любовно увлекающие вверх один другого. Справа, осужденные дико клубят падают в ад. Именно в массовых движения нагих тел состояла новизна замысла произведения. Она есть одно из возвышеннейших творений человеческих рук. Последние фрески Мик. (1542-1550) это «Распятие ап. Петра»,«Обращение ап. Павла» в капелла паолина в Ватикане. К остальным работам мастера относятся мастерские рисунки с мифологическими сюжетами в Виндзоре. В это время Мик. Занимался главным образом большими строительствами , не требующими собственноручного выполнения. За несравненной капеллой Медичи последовала библиотека Лауренциана во Флоренции, возведенная для Климента 7. Прихожая с лестницей, с ее парными колоннами вдвинутыми в стены, стенными нишами плоские дугообразные фронтоны которых поддерживаются пилястрами в виде гермы. В этом произведении Микеланджело был наиболее свободен, как ни в каком другом. В Риме Мик. составил затем проект великолепной площади Капитолия с Сенаторским дворцом в глубине, обставленным направо и налево от входа лестницами, с дворцом консерваторов направо, капитолийским музеем налево и с античной конной статуей марка Аврелия посередине. Когда Мик. умер в 1564 году, современник его почувствовали, что свет большого искусства погас.

23. Творчество Рафаэля Санти. Рафаэль Санти (1483-1520 ) самый известный из итальянских художников. Сравнительная и история искусства признает, что его произведения принадлежат к чистейшим и благороднейшим творениям. Рафаэль не был одарен как Микеланджело, мощным художественным своеобразием. Вначале он развивался в тесной связи со своими учителям. Но как только он нашел себя, как многочисленные заказы принудили его пустить в ход ученические работы под видом своих. Несмотря на это изумительно то множество работ, которые успел создать Рафаэль за 37 лет своей жизни. Архитектором он стал позже, вследствие связей с Браманте и Перуцци. Как скульпторон остался незаметным, хотя и сделал несколько работ. Живопись была его коренным и истинным призванием. Первыми настоящими произведениями Рафаэля, сохранившимися до нашего времени, считаются картины перуджинской манеры. Рядом с ранними мадоннами Берлинского музея стоит привлекательная Мадонна Конестабиле в Эрмитаже. Из трех запрестольных образов раннего периода: «Распятие» собрания Монда в Лондоне, «коронование Марии» ватиканской галереи. Самое замечательное произведение «Обручение» в Брере в Милане. Симметричное изображение Иосифа и Марии на переднем плане, в глубине возвышается храм эпохи Ренессанса. Тихая красота изображенных лиц, спокойная замкнутость композиции и сочные горячие краски являются уже особенностью Рафаэля. В чисто семейных, иногда даже по-домашнему простых ранних флорентийских мадоннах он выражал их простое земное материнство и вместе с тем подымал их в свое царство красоты, где сливаются небесное и земное. Как строго выделяется на темном фоне торжественная Мадонна дель Грандука в палаццо Питти. Как нежно прижимает дитя на фоне светлого неба Мадонна Темпи Мюнхенской Пинакотеки. Он испытал влияние Фра Бартоломео (его Мадонна под балдахином - палццо Питти), Микеланджело .(«Положение во гроб» - галарея Боргезе в Риме Напряжение мужчин, несущих Спасителя ко гробу выражается резче, чем душевная скорбь.) В Риме 25 –летнего маэстро ждали высочайшие задачи. Юлий 2 поручил ему украшение живописью трех комнат Ватикана. В то время как Микеланджело расписывал Сикстинскую капеллу, Рафаэль украшал кабинет папы, где хранилась римская печать. Здесь он выразил присущий ему монументальный стиль, основанный на ясном равновесии, верности природе и красоте. На четырех стенах и сводах помещены символические картины четырех мировых сил духа, именно: теологии, философии, юриспруденции и поэзии. Из четырех сидящих на троне женских фигур запомнилась поэзия. Из четырех композиций в парусах сводов Грехопадение впервые показывает в Рафаэле мастера, совершенно свободно владеющего передачей нагого тела и его движений. Нал второй комнатой Рафаэль работал с 1512 по 1514. Здесь потребовалось изобразить чудесные случаи вмешательства неба для охраны церкви, как прообразы побед Юлия 2 мечом и духовным оружием. Четыре главные картины представляют изгнание Гелиодора из Иерусалимского храма, изгнание Аттилы Львом Великим, обращение сомневающегося священника к учению о пресуществлении вовремя обедни кардинала Больсены и освобождение Апостола Павла из темницы. Последнее является настоящей живописью ночи, с тремя различными источниками света, действующими взаимно. Портрет Юлия 2 в Уфицци , на котором папа сидит задумавшись в глубоком кресле в в красном бархатном оплечье, по своему замыслу, композиции и письмупринадлежит к первым совершенно свободным портретным произведениям этого времени. Из собственноручных Мадонн особым свободным римским воздухом овеяна Мадонна Альдобрандини. Трогательное впечатление производит Мадонна с рыбой. Эта картина также по величавости характеров и широте замысла является одним из важнейших произведений нового рода живописи. Лев 10 (1513-1521) рассчитывал на Рафаэля больше, чем на Микеланджело. Он поручил ему в 1514 году продолжение постройки собора св. Петра. Кроме того Рафаэль должен украсить фресками последнюю из трех упомянутых ватиканских комнат. Помимо этого еще множество заказов. Он едва ли успевал заканчивать работу. Как художник-архитектор он заявил себя в фонах своих картин. Как строитель выступил сразу о приезду в Рим. Самостоятельная прекрасная вилла Киджи на Тибре. Отличное двухэтажное здание с флигелями, в обоих этажах расчлененное дорическими пилястрами, вверху увенчано фризом с гирляндами. После архитектурных проектов следуют последние большие фрески, предпринятые Рафаэлем. В третей комнате Ватикана Лев 10 велел изобразить деяния пап, его предшественников по имени. Благодаря картине, представляющей пожар в Борго, прекращенный Львом 4, эту комнату называют «Санца дель Инчендино». Три другие изображают клятву Льва 3, коронование Львом 3 Карла Великого и морскую победу Льва 4 над сарацинами. Мастерство, с которым Рафаэль писал фрески, показывают его прекрасные сивиллы над капеллой в Киджи в Санта Мария дела Паче в Риме. В этой же Вилле фрески Амура и Психеи (1516- 1517). Два продольных поля потолка представляют суд богов над Амуром и Психеей и свадебный пир вновь воссоединившихся. Картины, выполненные масляными красками, при Льве 10 поражали современников. Его портреты этого периода покахывают близкое следование природе. Они своей простотой и величественной композицией, одухотворенностью характеров обнаруживают все успехи, сделанные портретным искусством. Портретные изображения по грудь этого рода –«Женщина в покрывале» Палаццо Питти, прообраз его Сикстинской Мадонны. Портрет Кардинала в Мадридской галерее. Ряд портретов заканчивается знаменитым портретом-группой Льва 10 с кардиналами де Росси и Джулио де Медичи в палаццо Питти. Группа величественно объединена. Характеры своей убедительностью первые обращают на себя внимание. Станковые произведения религиозного содержания Рафаэля в последнюю пору его жизни также принадлежат к самым совершенным его произведениям. Таков, например, запрестольный образ св. Цецилии, стоящей между четырьмя святыми, нахолдящийся в пинакотеке в Болоньи. В опущенных руках святая держит орган и обращает просветленный взор к небу. Затем последовал запрестольный образ для Сан Систо в Пьяченце, «Сикстинская Мадонна». Гордость дрезденской галереи, величайшее чудо рафаэлевского искусства. Небесная владычица снисходит на облаках, держа в руке обнаженного младенца.На облаках же слева стоит Папа Сикси 2, молитвенно смотря вверх, а справа преклоняет колена св. Варвара. Двое ангельчиков смотрят вверх. Наполненый светом воздух полон исчезающими в дымке головками ангелов и серафимов. Все движение объединены несравненным ритмом линий, смягчены и облагорожены в спокойном равновесии. Новой здесь является та наружная беззаботность, с которой Мария и ее младенец относятся друг к другу. У них взоры обращены более внутрь себя, чем вовне, однако зрителю кажется, что ради него они спускаются с небес. Нова также и плавная широка живописная манера. Это истинный шедевр. Последняя картина Рафаэля – Преображение Господне на горе Фаворе Ватиканской галерее. Сам он закончил только верхнюю часть картины, нижнюю закончили его ученики. Здесь уже композиция с косыми пересечениями линий захватывает уже задачи последующего времени барокко. Рафаэль всегда ставил себе новые цели и понимался все выше.

 24. Творчество выдающегося испанского живописца Веласкеса.

Происходил из небогатой дворянской семьи. Учился в Севилье у Ф. Эрреры-Старшего и у Ф. Пачеко (1611-17). В 1617 получил звание мастера. Работал в Севилье и Мадриде, куда переехал в 1623, назначенный придворным художником с исключительным правом писать портреты короля. Занимал различные должности при дворе Филиппа IV; в круг его служебных обязанностей входила организация всех празднеств, приемов, убранство дворцовых покоев, а также пополнение королевских собраний произведениями искусства. Превосходя современных ему испанских художников не только творческим диапазоном, но и смелостью и новизной художественных решений, Веласкес писал картины на жанровые, мифологические, исторические, религиозные сюжеты, портреты, пейзажи. Человек высокого нравственного благородства, он был назван современниками «художником Истины».

Севильский период. Самостоятельность проявилась уже в ранних полотнах севильского периода, созданных в жанре бодегонов (от исп. bodegon — трактир, харчевня), изображавших скудные завтраки, кухонные сцены с немногими полуфигурами и выделенными на переднем плане натюрмортами. В этих произведениях с резкими светотеневыми контрастами, тяжелой и плотной живописью, отмеченных воздействием школы Караваджо, господствуют полные естественного достоинства запоминающиеся народные типы («Завтрак», ок. 1617-18, Эрмитаж; «Старая кухарка», ок. 1620, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург; «Завтрак двух юношей», «Водонос», ок. 1621 — обе музей Веллингтон, Лондон). К жанру бодегонов относятся и немногочисленные ранние религиозные картины Веласкеса: «Поклонение волхвов» (1619, Прадо); «Христос в доме Марфы и Марии» (ок. 1620, Национальная галерея, Лондон).

Мадридский период. Жизнь в Мадриде, открывшая Веласкесу возможность внимательного изучения ценнейших королевских собраний живописи (в том числе произведений Тициана), близость с испанской культурной элитой, встречи с посетившим в 1628 Мадрид Рубенсом, первая поездка в Италию (1629-1631) содействовали расширению его художественного кругозора и совершенствованию мастерства. В необычных для испанской традиции картинах на античные сюжеты («Пьяницы», 1628-1629, «Кузница Вулкана», 1630 — обе в Прадо), с их острым чувством житейской достоверности и оттенком иронии, мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности.

Портреты 1630-40. Качества новой свободной живописи Веласкеса, его интерес к изображению пейзажной среды (два небольших пейзажа виллы Медичи и Прадо были написаны им на открытом воздухе при естественном свете), стремление наполнить жизнью схемы парадных изображений отличают его работы после возвращения из Италии — так называемые конные (1634-35) и охотничьи (1634-36) портреты короля, его семьи, премьер-министра Оливареса. В портретах Веласкеса обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение. Серо-коричневый фон кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает крупнозернистый холст. Строгая темная гамма оживлена изысканнейшими сочетаниями серого и красно-розового, зеленоватого и серо-оливкового, черного и золотого. Поразительны эффекты серых тонов, то более темных, мягких, бархатистых, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Портретируя короля, сановников, придворных, друзей, учеников, Веласкес изображает человека таким, каков он есть, в слиянии самых разноречивых черт характера, будь то жестокий временщик Оливарес (ок. 1633, Эрмитаж), хмурый вельможа Хуан Матеос (ок. 1632, Картинная галерея, Дрезден), погруженный в свою работу скульптор Х. Мартинес Монтаньес (1635-38, Прадо). В портретах королевских карликов и шутов Веласкес с непредвзятой зоркостью взгляда раскрывает их характеры, душевное состояние, мир переживаний, поднимающийся подчас до скорбного трагизма («Барбаросса», 1636-38;; «Эль Примо», 1644; — все Прадо).

В Италии. Второй поездке Веласкеса в Италию (1649-51) сопутствовал традиционный успех. Портрет его ученика мулата Хуана Парехи (1644-50; Нью-Йорк, Метрополитен-музей) был восторженно встречен в римских художественных кругах. Веласкес был избран членом римской Академии св. Луки и общества виртуозов Пантеона. Портрет римского папы Иннокентия X (1650, галерея Дориа-Памфили, Рим), необычайно смелый по откровенности образ (принимая его, Иннокентий Х воскликнул: «Слишком правдиво!») стал самым знаменитым созданием Веласкеса за пределами Испании; в Риме его без конца копировали.

Портреты 1650-х гг. 1650-е гг. — время самых высоких творческих свершений Веласкеса. Вдохновенным артистизмом, смелостью живописных находок отмечены поздние женские и детские портреты особ королевского дома (королева Марианна Австрийская, ок. 1649, Прадо; инфанта Мария Тереза, 1651). Глубокой психологической характеристикой отмечен портрет стареющего Филиппа IV (1655-56). Главные создания Веласкеса позднего периода — крупномасштабные композиции «Менины» («Фрейлены», 1656, в инвентарях 17 и 18 вв. картина обозначалась как «Семья», «Семья Филиппа IV»), «Пряхи» (1657) — обе в Прадо. В «Менинах», картине, наполненной движением пространственных планов, воздуха и света, частный эпизод придворного быта (девочка инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, сам Веласкес в момент исполнения портрета королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала) предстает как одно из мгновений общего течения жизни в богатстве ее взаимосвязей и изменчивых проявлений. Картина построена на сложном переплетении официального и бытового, на многоплановой игре смысловых оттенков и образных сопоставлений. В столь же многоплановой по замыслу картине «Пряхи» сцена в королевской ковровой мастерской с фигурами прях на первом плане запечатлевает как бы целый мир, выступающий в единстве и реальности мечты, повседневной жизни и мифа о греческой мастерице Арахне. Веласкес писал без предварительного наброска, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры и как бы вольную импровизацию со строгой продуманностью композиции.