Анализ художественного произведения «Натюрморт Лесенка» (2008г.) кистей Г.М. Коржева

Содержание

Введение

Художественно-историческая глава

1.1. Историческая справка

1.2. Анализ художественного произведения в жанре «Натюрморт в интерьере»

1.3. Творческий замысел по ходу выполнениятематического натюрморта в интерьере

Технологическая глава

2.1. Характеристика материалов и инструментов, используемых для работы над композицией "Маленькая утопия»

2.2. Творческие этапы работы

Заключение

Список литературы

Приложение

Введение.

    Во II-м семестре первого курса темой курсовой работы выбран натюрморт в интерьере. Представляя себе ход работы, художник в первую очередь должен обдумать и грамотно составить композицию, которая передаст идею и творческий замысел автора, гармонично подчинит все элементы композиции друг другу как по смыслу, так и по форме, цвету и размеру. Будет логичным, естественно, исключить то, что вносит дисгармонию.

    Так как в нашем случае предстоит выполнить натюрморт в интерьере, следует сказать, что композиция в данном случае предполагает расположение предметов на фоне интерьера. Другими словами, объекты натюрморта находятся в сюжетной и тематической связи с окружающей средой. Для создания более яркого и выразительного впечатления, художник также вправе играть с пропорциями и перспективой, изменять размеры некоторых предметов, выделяя тем самым доминирующие элементы композиции.

    Для того, чтобы выявить наиболее выигрышные и понятные зрителю приемы композиции, автор ко всему прочему проводит крупную поисковую работу в процессе разработки композиции — цветные и тоновые эскизы, карандашные зарисовки, картон. Главная цель этой поисковой работы — выполнить картину в жанре «Натюрморт в интерьере». При этом перед автором также стоят следующие задачи:

1) Составить историческую справку по теме и изучить материал

2) Разработать эскизы

3) Выполнить картон по наиболее подходящим эскизам

4) Разложить цветовую гамму картины

5) Написать картину на основе выполненной поисковой работы.

    Пояснительная записка к курсовой работе состоит из двух глав: художественно-исторической и технологической. В первой главе представлены исторический материал о живописи натюрморта и интерьера и анализ картины «Маленькая утопия». Также первая глава содержит более подробное описание творческой задумки картины и ее историю. В технологической главе перечислен список материалов и инструментов, используемых для работы над композицией, более подробно рассматриваются этапы выполнения курсовой работы: создание эскизов, картона, а также пошаговый процесс написания итоговой работы. В заключении представлен анализ проделанной работы.

Художественно-историческая глава

Историческая справка

       «Натюрморт» - слово французкое в буквальном переводе означает “мертвая натура”. Есть еще другая интерпретация этого понятия: спокойная, тихая жизнь (например, по-английски это still-life, в голландском языке- stilleven, по-немецки это — stilleben), на взгляд многих художников это наиболее точное выражение сути жанра, но такова уж сила традиции, что именно “натюрморт ” - общеизвестное и укоренившееся название.

    Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта, жившем в эллинистическую эпоху - греческом живописце Периакосе. В знаменитой «Естественной истории» древнегреческий ученый, писатель и государственный деятель Плиний Старший рассказывает о споре между греческими живописцами Зевксисом и Паррасием: Зевксис столь правдоподобно написал виноградные гроздья, что птицы слетались их клевать. Паррасий же настолько совершенно изобразил занавес в своей мастерской, что сам Зевксис принял его за настоящий.

    Картины Зевксиса и Паррасия до нас не дошли, и судить о них можно лишь по рассказам античных писателей и копиям римских художников, сохранившимся в незначительном количестве. Но описанный Плинием принцип имитации видимых предметов, создающий впечатление о них как о реально существующих и даже заставляющих ошибаться искушенный взгляд художника, дожил до наших дней и нередко встречается в современной живописи. Этот принцип получил название иллюзионизма (illusio). Частным видом этой живописи являются обманки. «Обманками», особенно любимыми в эпоху Возрождения и барокко, часто служили дверцы шкафов с написанными на них корешками книг или так называемые охотничьи трофеи - убитые рябчики, тетерева, зайцы, также украшавшие дверцы шкафов для хранения дичи и воспринимавшиеся как реальные. Иногда роль «обманки» в картине выполняли отдельные иллюзорно выписанные детали, например, мухи на арбузе, стрекозы и бабочки на цветах и листьях.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в 15-16 веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа.

Натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Однако великие мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца, порождая, таким образом, различные ассоциации и социальные аналогии.

    Мощного расцвета натюрморт, как самостоятельный жанр, достиг во Фландрии и вошел в историю под названием фламандский натюрморт.

Период расцвета национальной культуры и искусства Фландрии охватывает первую половину 17 в. Он следует непосредственно за разделением Нидерландов на Фландрию и Голландию и обусловлен особенностями ранней буржуазной революции конца 16 в.

    Эпоха его расцвета была связана с именами крупнейших художников Фландрии, вошедших в историю искусства Западной Европы: Франса Снейдерса и его ученика Яна Фейта. Их картины -это огромные декоративные натюрморты с изображением сочных и спелых плодов, фруктов, битой птицы, кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от самых обычных до редких и экзотических пород. Все, чем богата земля Фландрии, что попадает в сети фламандских рыбаков, горами громоздится на столах и витринах, свисает и падает на тяжелые дубовые прилавки. Сами полотна составляют оригинальный и своеобразный тип натюрморта, получивший наименование «лавка» («Рыбная лавка», «Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем»).

Другая мощная школа натюрморта известна под названием “голландский натюрморт”. Авторами этих произведений были харлемские живописцы Виллем Хеда и Питер Клас. Они стали создателями национального натюрморта с изображением накрытых столов, уставленных огромным набором предметов, типичным для семьи голландского бюргера 1630-1640-х годов. Интимность, простота и серьезность этих произведений отражают бытовой уклад, вкусы, симпатии и настроения первого поколения голландских буржуа, выросших в свободной, независимой стране.

Пройдет время, и вместо скромных «завтраков» Класа и Хеды займут богатые и эффектные «десерты» Адриана ван Бейерена и Виллена Кальфа, отразившие новый этап в развитии нидерландского общества, утратившего свои революционные идеалы и отошедшие от скромного и трудового жизненного уклада своих отцов.

       Итальянский натюрморт развивался собственным путем и в итоге приобрел ряд качеств, выделяющих его в ряду других национальных школ главным образом благодаря Караваджо - великий мастер, который обратился к жанру чистого натюрморта и создал монументальный, пластический образ «мертвой натуры». Во второй половине 20 века выделяются работы итальянского живописца Д. Моранди, отличающиеся мягким созерцательным настроением, ясными композиционными построениями, блеклой цветовой гаммой.

       С развитием академической системы образования возникает учебный или постановочный натюрморт, ставший одним из обязательных элементов обучения.  Вершиной французского и западноевропейского натюрморта 17 и 18 столетий было творчество Ж.Б.С. Шардена. Идеи классицизма отнесли натюрморт к числу «низменных» жанров, однако именно появление великолепных полотен Ж.Б. Шардена, оживляющего мир «мертвой натуры».Мастер был знаком с голландской и испанской традициями этого жанра, но его отношение к натюрморту неповторимо и оригинально. Оно было отмечено строгостью и свободой композиции, тонкость колористических решений. Для своих картин он выбирал несколько очень простых предметов («Медный бак», «Трубки и кувшин»), составляя из них строгую и ясную композицию. Краски художника или яркие, или приглушенные, на манер рококо. Шарден первым стал писать саму плоть, материю вещей их подлинным цветом, вместо того, чтобы раскрашивать их.

       Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине 19 века. Импрессионизм, постимпрессионизм, а также течения изобразительного искусства 20 века дали новый толчок в развитии этого жанра. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописное восприятие мира вещей, решают проблемы светоцветовых отношений, нередко трактуют натюрморт как своеобразное декоративное панно.

Подъем жанра был связан с мастерами Постимпрессионизма (П. Сезанн, В. Ван Гог, А. Матисс), для которых мир вещей становится одной из основных тем. Художники акцентируют свежесть первого впечатления, разрабатывают сложные проблемы композиционного и цветового решения картины.

    Сначала 20 века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Мастера «фовизма» идут по пути обостренного выявления эмоциональной и декоративно – экспрессивных возможностей цвета и фактуры, в то же время как представители кубизма утверждают новые способы передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости, расчленяют формы на простые геометрические тела, восприятие с разных точек зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, а затем вводят в картины коллаж – различные присыпки, куски газет и другие материалы.

       Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале 18 века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве "низшего" жанра.

    Русские натюрморты – «обманки» – работы Г. Теплова и Т. Ульянова появились в России в 18 веке. Натюрморты рассказывали о круге занятий людей и просто о предметах быта (имитацией книг для «ложных шкафов»). Иллюзорность этих натюрмортов дали основание называть их «обманками».

    В русском искусстве 19 века появляются мастера «ботанического» натюрморта – это были натюрморты Ф. Толстого: «Ягоды красной и белой смородины», «Букет цветов, бабочка и птичка». И.Ф. Хруцкий рисовал декоративные натюрморты с цветами, наивные, но обаятельные. Однако понимание живописности натюрморта с цветами в академической живописи, получившего у нас развитие в основном из «букетов» передвижников. Передвижники любили цветы и из натюрмортных этюдов чаще всего писали «букеты».

    Только во второй половине 19 века натюрморт в России стал набирать свою смысловую силу - увидеть прекрасное в малом и обыденном. Искусство характеризуется поисками в области цвета, формы, пространственного построения. К лучшим образцам этого периода относится импрессионистические работы К. А. Коровина, И. Э. Грабаря; точно обыгрывающие историко-бытовой характер вещей произведения художников «Мира искусств» А. Я. Головина и других; остро декоративные П. В. Кузнецова, Н. Н. Сапунова, С. Ю. Судейкина, М. С, Саръяна и других живописцев круга «Голубые розы»; яркие, пронизанные полнотой бытия натюрморты мастеров «Бубнового валета» П.П. Кончаловского, И. И. Машкова, А. В. Куприна, Р. Р. Фалька, А. В. Лентулова и других.

Годы с двадцатого по пятидесятый 20 века характеризуются большим интересом к цветочному натюрморту и лидеров авангарда и беспредметной живописи. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами натюрморт начинает приобретать формы абстрактной живописи.

Художники-абстракционисты стремились к тому, что искусство стало отвлеченным. Цветочные композиции образуют единую узорчатую поверхность с фоном: стол, цветы, рисунки, предметы превращаются в декоративный орнамент, подобный узорам на персидском ковре. Натюрморты А.Д. Минчина, А. М.Ланского, Н.А.Исаева созданы на грани между предметной и беспредметной живописью.

       В 1930-х годах натюрморт включает и философское осмысление современности в обостренных по композиции (предметы написаны в них с разных точек зрения), цвету, эмоциональной выразительностью произведений К. Петрова-Водкина.

       Весьма своеобразные натюрморты представителей поп-арта (1950-1960 г.г.), провозгласивших после засилья абстракционизма «возвращение к реальности». Их работы воспроизводят предметы домашнего обихода, упаковку товаров, детали машин и рассчитаны на многообразные ассоциации у зрителя.

       Так как мы рассматриваем в нашей композиции тему «Натюрморт в интерьере», следует провести небольшое исследование и в области истории развития жанра интерьер.

       Жанр интерьера сформировался в17 в. в Голландии, в которой после освобождения от испанского владычества возникла первая в мире буржуазная республика. Художники изображали в своих картинах тихую мирную жизнь, полную домашних семейных радостей. Мастер интерьера писали церковные, жилые, дворцовые помещения. Кальвинизм, ставший государственной религией, запрещал украшать картинами храмы; зато изображения церковных интерьеров в живописи наполнились проникновенным религиозным чувством. В небольших полотнах художники передавали ощущение грандиозности и святости пространства, масштабности сооружения.

       Своеобразной «шкалой» для измерения масштаба служили человеческие фигурки, которые в подобных работах не имели самостоятельного значения, выполняя роль стаффажа (Э. Де Витте. «Протестантская готическая церковь», ок.1685 г.;Х. К. Ван дер Влит. «Внутренний вид церкви»,1636; Х. Ван Стрек. «Внутренний вид готической церкви», 1681). В картинах, изображающих домашние помещения и кухни, царит тишина, люди часто пребывают в неподвижности. Они словно прислушиваются к голосу Дома, который предстаёт почти живым существом, к «тихой жизни вещей», к неслышному скольжению солнечных бликов по стенам. Предметы, пространство, свет – такие же герои картин, как и люди (Я. Врель. «Старушка у камина», сер 17 в.; П. Янсенс Элинга. «Комната в голландском доме»,1660-е гг.; П. К. Ван Слингеланд. «Кухня», 1648). Произведения голландских художников наполнены поэтическим чувством, ощущением ценности обыденного существования людей в уютном домашнем мире.

    В русской живописи элементы интерьера появились ещё в иконах, где архитектурные фоны писались по определённым правилам (канонам), показывая здания одновременно снаружи и изнутри («Иже херувимы…», Сольвычегодск, до 1579 г.; «Рождество Богоматери», кон.17 в.). Такие изображения назывались «нутровыми палатами».

    С развитием академического художественного образования в России интерьер приобретает самостоятельное значение. Во второй пол. 18 в. появилось большое количество«портретов помещений». Эти интерьеры передают типичные стилистические особенности своей эпохи. Широкое развитие интерьер получил в первой пол.19 в. в творчестве художников круга М. Н. Воробьёва. Их работы ценны своим историческим документализмом, отличаются чёткостью в перспективном построении пространства, вниманием к подробностям; для них характерен некоторый прозаизм (С. М. Шухвостов. «Обедня в московском Благовещенском соборе», 1857). Особого расцвета жанр интерьера достиг у мастеров венециановской школы, произведениям которых свойствен лирический взгляд на частную жизнь человека в светлых и чистых, ясных и обозримых пространствах, внутри которых царит тишина и течёт неспешная, полная тихого очарования жизнь (К. А. Зеленцов. «Гостиная на антресолях», кон. 1820 – нач. 1830-х гг.; А. В. Тыранов. «Мастерская художников Чернецовых», 1828; Г. В. Сорока. «Кабинет в Островках», 1844).

Анализ художественного произведения «Натюрморт Лесенка» (2008г.) кистей Г.М. Коржева

    Первое впечатление от данной работы достаточно сильное и объемное, немного гнетущее. Автор будто бы ведет прямой диалог со зрителем, привлекая внимание к определенным социальным и нравственным проблемам, что нетипично для натюрмортов. Этот прием заключает в композицию элемент символизма и несет в себе большую силу воздействия, что характерно для «сурового стиля».

    Настроение у картины враждебно-выжидательное, как будто автор задает нам прямой вопрос и напряженно ожидает реакции. Изначально не предполагалось, что анализ именно этого автора и этой работы будет представлен в курсовой записке, однако этот натюрморт произвел на меня столь сильное впечатление, что я не сумела обойти его вниманием.

    Предметы, изображенные Коржевым, впечатляют своей материальностью и осязаемостью. И действительно, композиционный принцип натюрморта с крупными объемами, вынесенными на первый план, и неглубоким, условно обозначенным за ними пространством, дает нам ощущение реальности и веса этих элементов композиции.

     Вообще натюрморт занимает в творчестве Коржева особое место. Он важен как жанр, в котором художник работал много и охотно, решая здесь композиционные и смысловые задачи картинной формы. Для себя живописец обозначал их так: «Нужно подумать о психологическом натюрморте. Необходимо найти и новый подход к трактовке. Например, сильная светотень и обязательно искусственный свет, хорошо бы огонь живой (свеча, фонарь керосиновый).”

    Статичность, замкнутость и даже некоторая мертвость композиции в «Лесенке» усиливают общее давящее впечатление, поражая зрителя прямотой и открытостью своего посыла — недовольство общественным строем, неактуальность и пережитки социального расслоения в обществе. Интерьер как-таковой здесь играет роль дополнения, декораций. Газетные листы на стене дополняют смысл композиции, позволяя зрителю прочувствовать злободневность и насущность данной социальной проблемы.

    На темной, строгой этажерке предметы выставлены в их соответствии со ступенями общественных классов — сверху буржуазно-пузатые и горделиво вытянувшиеся ваза и чайник, чуть ниже изображены глиняные крынки и кувшины, жестяная эмалированная чашка — атрибутика людей рабочего класса и ремесленников, простого русского работящего люда.

    В самом низу расположены предметы, описывающие быт самого обширного общественного класса — людей, проживающих за чертой бедности. Размеры полок на этой «лесенке» также соответствуют соотношению размеров социальных слоев. Для Коржева характерна определенная свобода слова, если можно использовать данный термин в живописи. Уши зрителя улавливают слова, льющиеся с полотна так же явственно, как и глаз воспринимает образы, а мозг их анализирует.

    Доминирующим элементом в композиции «Лесенки» можно назвать всю этажерку целиком, поскольку она заключает в себе главный творческий замысел художника. Коржев выделяет доминанту при помощи тона, размера и свободно играет с формами предметов.

    Автором выбрана фронтальная перспектива, как будто он пытается заставить зрителя прямо взглянуть в лицо проблеме, воззвать к его разуму и чувствам.

    Художник придерживается своего привычного стиля и техники, он пишет живо, смело, пастозно, накладывая мазки и вылепливая форму и объем предметов. Он чередует теплые и холодные цветовые пятна, а также темные и светлые тона — данные приемы создают свой ритм картины, благодаря которому взгляд зрителя читает картину как бы по определенным траекториям, задумываясь как над каждым предметов в отдельности, так и над композицией в целом.

    Стоит также отметить и колорит произведения. Художник использует привычные для него приглушенные цвета. Холодновато-охристые оттенки перекликаются с терракотовыми пятнами на глиняных кувшинах, холодный сиреневатый дневной свет выглядит еще выразительнее засчет яркого желтого акцента на лимонах. Холодные блики вибрируют на глянцевой поверхности фар    фора, на горлышках обожженной глиняной посуды. Художник дает нам почувствовать материал каждого предмета так явственно, будто мы прямо сейчас можем прикоснуться к этой деревянной этажерке, а фарфоровая ваза на ощупь непременно будет прохладной. Несмотря на то, что газеты на заднем плане достаточно просто списаны, они своей живописной цветовой гаммой также подчеркивают целостность композиции. Коржев усиленно выделяет предметы тоном, что позволяет им жить в пространстве картины.

    Особая живописность художника, идейность, необычный ракурс и композиция отличают данную картину. Автору действительно удается зацепить и заинтересовать зрителя, в некотором смысле даже задеть его. «Натюрморт Лесенка» является уникальным примером того, как художник может «жечь сердца людей» и давать пищу для размышлений, побуждая к саморефлексии.

Творческий замысел

    Не взирая на то, что вдохновляющие картины и стиль Г.М. Коржева, несущие в себе глубокий творческий замысел, послужили определенным катализатором к размышлениям на тему того, какие темы должен затрагивать художник в своей работе, ключевой идеей «...» стало стремление к гармонии и безмятежности.

    Многие художники в своей творческой самореализации решают обратить внимание общественности на те или иные социальные, экономические или даже политические проблемы. Вне всякого сомнения, каждый творческий человек отражает в себе свое время, свою эпоху, внося свой вклад в социальную и культурную жизнь . Однако порой такая воинственность может придать искусству некоторую абсурдность, что можно увидеть на примере отрывка из произведения Олдоса Хаксли «Контрапункт»:

    «Рисунок слева изображал восходящую кривую. За очень маленькой обезьяной следовал чуточку более крупный питекантроп, за которым, в свою очередь, следовал немного более крупный неандерталец. Палеолитический человек, неолитический человек, египтянин и вавилонянин бронзового века, эллин и римлянин железного века — фигуры становились постепенно все более рослыми. Ко времени появления Галилея и Ньютона представители человеческой расы достигли вполне приличных размеров. Уатт и Стефенсон, Фарадей и Дарвин, Бессемер и Эдисон, Рокфеллер и Уонамейкер — все выше и выше делались люди, пока не достигали роста современного человека в лице самого мистера Герберта Уэллса и сэра Альфреда Монда. Не было позабыто и будущее: в сияющем пророческом тумане фигуры Уэллса и Монда, все вырастая при каждом повторении, взвивались триумфальной спиралью за пределы листа в утопическую бесконечность. Рисунок справа представлял собой менее оптимистичную кривую, состоящую из вершин и падений. Маленькая обезьяна очень быстро превращалась в цветущего высокого представителя бронзового века, который уступал место очень крупному эллину и немногим меньшему этруску. Римляне снова становились мельче. Далее следовало несколько рослых флорентийцев, англичан и французов. Их сменяли отвратительные чудовища, снабженные этикетками «Кальвин», «Нокс», «Бакстер» и «Уэсли». Рост представителей человеческой расы все уменьшался. Викторианцы были изображены карликами и уродами, люди Двадцатого столетия — недоносками. В тумане будущего виднелись все мельчавшие уродцы и зародыши с головами, слишком крупными для их расслабленных тел, с обезьяньими хвостами и с лицами наших наиболее уважаемых современников: и все они кусались и царапались и грызли друг друга с той методической энергией, которая свойственна только высокоцивилизованным существам.»

    Предположительно, уставшая от горьких размышлений и борьбы, человеческая сущность стремится вернуться обратно в лоно природы. Было решено использовать образы, располагающие к расслаблению, отдыху и любованию окружающим миром.По задумке картина должна внушать светлое и спокойно-радостное, медитативное настроение.Чтобы показать этот процесс трансформации личности, в картину был включен элемент пейзажа. Четыре глухие стены привычного нам интерьера также не позволили бы воплотить в жизнь идею свободной и размеренной жизни, а напротив создавали бы ощущение заточения, закрепощения. Образ оранжереи наиболее выгодно подчеркивает этот творческий замысел.

    Доминантой композиции решено было сделать стол с натюрмортом, а также падающие тени от предметов в оранжерее, которые должны передать яркую и оригинальную игру света и придать композиции законченность и полноту. Доминанта здесь подчеркивается тоном и размером.Цветовая гамма должна дополнять композицию, быть яркой, насыщенной, солнечной и ободряющей. Гармоничное сочетание цветов, которому мы научились на уроках Цветоведения в предыдущем семестре также должно применяться в этой работе, поскольку на должна быть именно гармоничной, приятной глазу, располагающей на умственный отдых и создающей мечтательную атмосферу.

    В выборе цветовой гаммы решающую роль источника-вдохновителя сыграли картины Моне, Сёра, Ренуара. Было решено отказаться от использования глухих темных пятен, серых и разбеленных грязных оттенков.

Технологическая глава